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当浪花遇到野狼
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日志
《俄罗斯方舟》-电影实验中的杰作
《俄罗斯方舟》去年在多伦多电影节上获最佳视觉效果奖。而实验电影院线又是多伦多电影节组织的分支，有便利可以连放七天，竟是场场爆满。影片在这里放映，正是名副其实。《俄罗斯方舟》是导演亚历山大．索科洛夫（Alexander Sokurov）一次雄心勃勃的实验。整部影片由一个镜头完成，影片连续不断地在圣彼得堡的一座著名宫殿里一次性拍摄90分钟，从而使拍摄时间与电影时间完全重合。影片的试验性和艺术性是近年来罕见的，也是非常优秀的。
来看看片子。
银幕上的镜头即是影片的叙述人------一位当代电影人的视角。冰天雪地中，一群衣着华丽，兴致勃勃的达官贵人乘坐马车来到圣彼得堡的一座宫殿。于是，叙述人跟随他们进入这个富丽堂皇的宫廷居所。人和物都是18世纪。叙述人走着，其他的人都看不到他。且慢，拐角处有一个和他和周围的人都不同的欧洲人（European). 原来，这也是一个梦游者，误入此地。他是一位来自19世纪的法国外交官，于是两人开始了一场历史的漫游，目睹了俄罗斯百年来的风云变幻。
一个内宫的场景，彼得大帝推倒他的将军， 并用鞭子狂怒地抽打。
一个舞台的背景，演员等待上场， 紧张的排练；前面，乐队演奏，凯瑟琳女皇拍了拍巴掌， 说， 不错。然后急急忙忙的边往外跑边说，我要去撒尿。
庄严肃穆的大厅，尼古拉斯一世正在接见外国使节。整齐的卫队，优容的妇人。一转身，一群蹦蹦跳跳的小天使尾随一个修女进入末代沙皇的餐厅，一家人正在吃革命前夕最后的晚餐。
可是，在油画的展厅里，分明是现代的学生，青年，老人在欣赏艺术，外交官还和他们就油画作品的优劣争执不休。
于是迷惑了，18世纪的俄国故宫，还是21世纪的艺术展厅？
是索科洛夫的意识流进入我的眼睛，还是我在梦中。
仿佛也如剧中叙述人，身临其境，于是无论年代，人物，头脑一片空白，全然接受，不作思考。
和油画前指挥的艺术家歌唱；
和个性十足的水兵辩论；
和气质高雅，美丽大方的贵族小姐起舞；
和外交官对俄罗斯爱恨交织的传统偏见争执；
和现代电影人对俄罗斯的反思和质疑交流。
影片最后在1913年最后一场辉煌盛大的皇家舞会中结束。华丽的音乐，迷人的舞蹈，精致的服饰，辉煌的建筑。当成百上千的人从阶梯上缓缓而下的时候，我仿佛真的坠入梦中，因为我清楚的记得，我过往的梦境，一定有这样的场景：在拥挤的人群中，我茫然的随波逐流， 也许， 我的爱人正倚在栏杆上等我， 注视着我。 而我， 要穿越人群去握住她的手。
长镜头： 曾经醉心于侯孝贤清澈的， 带着深深眷恋的台湾乡村那长长的镜头；也迷恋《爱情万岁》结尾杨贵媚由近到远渐渐消失的那一幕； 也记得《蓝宇》中伴随着黄品源如泣歌声的运动。 但这部影片把长镜头美学发挥到了极致，９０分钟， 一个镜头，推，摇，拉，固定。直到最后， 我们的视线转向门外， 一片无尽的大海，雾气缭绕。整部作品中将没有一次切换。真是能让你惊讶的连翻几个跟头的空前的实验。
表演： 所有的人都在表演， 所有的人都不在表演。 自然， 流畅， 毫无痕迹的演出， 没有特殊的场景， 没有人物的特写。 每个人都在他／她特定的时间， 地点， 场合做应该做的事情。一个小插曲， 当外交官在走廊上逡巡时， 一个妙龄女郎和她的男友在吵架， 短短十几秒， 把那个时代， 那个阶层的人物刻画的唯妙唯肖， 不由得让人佩服导演的深刻的观察力和纯熟的表现力。
导演： 导演对俄罗斯的历史， 政治， 艺术， 音乐， 民俗， 服饰，建筑等等的思考和表现， 在整部影片中来回穿插， 那种对于人类存在的本质问题和精神领域的关注渗透其间。 让观众在极度的视觉和听觉享受中， 不由自主的去思考， 去回顾， 去梦游。
可以说， 导演的这个构思用传统的拍摄方法基本上无法实现。借助当代高科技，影片使用高清晰度数码摄影机，直接拍摄在硬盘上，影片不进行剪辑， 后期只对色彩、光线等画面效果作出调整，便直接发行。其实，与其说是在拍电影，不如说是进行一项浩大而复杂的工程。影片摄制场地包括35个宫殿房间，850多名演员参加演出。每一个场景细节都必须精确地计算、安排，衔接， 配合。一个细小的差池都能让整部影片的拍摄前功尽弃。能够作到没有错误， 并且达到较高的艺术水准， 真令人钦佩不已羡慕不已。
雨果曾说： 建筑是历史。 圣彼得堡的宫殿是历史的见证，也是俄罗斯民族文化的象征。
多伦多今天异常的冷，我们坐在一个小咖啡馆里， 和实验电影院线(Cinematheque)的节目总监苏珊小姐聊了一个多小时。 她说这部电影在商业上也非常成功。 在多伦多， 洛杉矶， 纽约等地的票房都很好。也许是导演索科洛夫的作品得到了持续的关注， 也许是这部电影本身的魅力，总之， 《俄罗斯方舟》是我个人非常喜欢的一部实验电影。 持续不断的创新终究会带出一个新的潮流， 不同的电影。
新的电影方法和语言总会让我们激动。
当电影结束，剧终宏大而悠扬的音乐响起时，你一直怔怔坐在那里，什么也不想做，感觉全身的力量都被吸走了，心也被掏空了；而当你站起来，又控制不住四处乱走，象一只并没人囚禁的野兽，却迷失了方向，有种想喊叫的冲动，却发不出声音；这时你盼着有第二个声音响起，将你拉回现实的世界，柴米油盐、嘻笑怒骂的世界，而当这个声音真的喋喋不休地响起时，你却恨不得杀了他（她），因为他（她）实在不应该打扰你，尽管你都不明白自己在沉湎于什么样的一种情绪和挣扎中。
这就是我看过了《海上钢琴师》之后的感受，没有再贴切的语言来形容了，现在我也不能摆脱这样一种欲疯欲狂的感受，可是，我却偏偏不能准确地描述到底是什么情绪在侵扰着自己，只是心痛欲绝，却不知为什么；感到有什么东西满满地堵塞在胸口，却理析不清。
据介绍我看这部片子的朋友讲，这种情绪要持续一周，我为此感激他，因为我从未体味过这种震撼；我也为此痛恨他，因为现实的生活中，实在是不需要再人为地加入什么刺激，打乱原本不容易获得的内心的平静。不过，最后我还是决定感激他，毕竟，这是一部很值得一看的电影，如果不看，会遗憾的；再补上一句废话，如果看了，会后悔的。
本来认为，这部片子真的没法用语言描述，任何语言都太苍白，也是多余的，如果真的要谈，那就只能用四个字来概括：无以言说。真的，你只能自己去看，然后自己去体会、去感动，通过你的眼，传达到你的心。
既然动了笔，还是说上一点吧。这是由意大利导演托那多雷导的一部片子（天知道他是怎么导出来的，片子完成后他会是什么样的感受，是否也会迷失其中不能自拔），他还导过另外两部广为人知的电影：《天堂电影院》和《西西里岛的美丽传说》。如果说前两部还充满了温情和唯美的话，这部电影对观者的杀伤力要强百倍，带给人更多的是内心的挣扎，但是，真的说不清楚——我想自己是太罗嗦了，因为还无法从片子带给我的震撼中摆脱出来。
海上钢琴师是一个弃儿，出生在往返于欧洲和美洲之间的一艘大型客船上。他的养父是船上的一个最底层的劳工，一个黑人，却给了他无尽的温情和爱，给他唱好听的歌儿哄他入睡，教会了他认字。当他有一天在报纸上赌马的广告中，看到有一匹马叫“粉红妈妈”时，问“妈妈是什么？”那个淳朴而又不失智慧的黑人略一沉吟，决定不让这个孩子知道真相，于是说：“那是一匹马的名字”。于是，直到年近30，海上钢琴师一直都认为“妈妈”是一匹马，谁知道呢，也许直到他选择了死亡，他还是这么认为的。因为，从生到死，他的一生都被打上了不可逆转的烙印。
在他8岁的时候，养父因一次世故去世了，他又一次成为了孤儿。船上所有的人都爱他，包括古板的船长。当移民局的人知道这艘船上藏有一个非法的、没有生日、没有国籍的孩子时，（用片中的话来说，他相当于“从没出生过”。直到他死去，他也没有在这世上留下什么真实的印记，除了他的琴声，永远地留在了许多人的心中）决定将他抓到孤儿院。可是，22天，谁也没有找到他，警察无功而返。这个孩子在这艘船上消失了，其实，他就是船上的精灵，如果他要躲藏，谁也无法找到他。
一个深夜，奇迹出现了，男孩自如而投入地在甲板上弹奏着钢琴，将一船沉睡的人都惊动起来。谁也不知道，他从哪学会的钢琴，他一直躲在哪里，他演奏的又是什么曲子。其实，他从婴儿时期就在轰鸣的轮船的机器、在养父的歌声、在穷苦的劳工挂在他摇篮上的风铃声中长大，又无数次透过船舱的玻璃门倾听钢琴师的演奏，音符和节奏是他的唯一，唯一表达自己感受和与外界交流的方式。我想，正如片中所说“音乐是从他的血脉中流出来的”。
从此，他成了海上钢琴师。27年，他从未踏上过陆地一次，他全部的生活，他的每一个日日夜夜，都是在海上渡过的。他是天生的钢琴师，演奏起来“如同长了四只手”，他用音乐为每一个人送去欢乐，经常在一等舱工作完后，到三等舱去演奏“自己的音乐”。他已经长成了一个英俊潇洒的成年人，但是，尽管他目光如炬，能够洞穿任何人的外表看透其内心，却是个一尘不染的人，生命中只有钢琴、只有音乐，并乐此不疲。
可是，有一个人的出现，打乱了他的平静。那是个潦倒的老人，在他深夜独奏时，为他的音乐所打动，用风琴为他伴奏。老人说了自己的身世：土地干涸了，老婆跟教区的牧师私奔，五个孩子都死了，只剩下一个小女儿。但是，老人说，他有一次在山上看到了海，倾听到了海的声音，觉得美妙无比，从此增添了生的勇气和希望。海上钢琴师静静地听着，出神地弹奏着。很好笑，一个有生以来一直生活在海上的人，听到一个人在陆地看到海的感受，却第一次被触动了。
后来，他的朋友（其实是整个故事的讲述者），一个到船上乐队求职的吹小号的男人，多次劝他离开这艘船，告诉他在陆地上他能够凭着自己演奏钢琴的才华，受到人们的欢迎，会赚钱为自己买一所大房子，最后会娶一个老婆、生孩子，幸福地过完后半生，而完全不必在海上这样一直飘零着，孤独地终老一生。
为了证实他的才华，朋友请来了录音师，为他灌制唱片。演奏时，海上钢琴师突然看到了船甲板上一个纯洁美丽的女孩，他的目光、手指和心全都被这个仿佛不食人间烟火的女孩牵引着，不自觉地弹出一首美妙绝伦的乐曲。女孩从他的视线中消失，他的演奏也停止了，然后他从录音师和唱片公司的人手中抢走了录制好的唱片，因为他要把它献给那个女孩，第一次闯进他心扉的女人，她让他的心除了钢琴以外第一次另有所动，这乐曲只能属于她。
夜里，他穿行在三等艘拥挤的铺位中，找到了沉睡的女孩，在她的唇上轻吻了一下，女孩被惊醒，他立刻逃跑，躲藏起来。（后来，我为他庆幸，他总算吻到了心爱的人，而且，知道了吻的感觉）
直到船到了美国，女孩要下船了，钢琴师也没有机会将唱片送给她。但是他终于成功地和女孩交谈了几句，并获得了她的好感（他知道这女孩就是那个老人的小女儿，我没看到他是怎么知道的），女孩依依不舍地被拥挤的人群夹裹着下了船，一边回头大声将岸上的住址告诉了他。
海上钢琴师沉寂了下来，尽管在外人眼中他还是一样的快乐，一样地将指挥抛在一旁，随心所欲地为人们演奏狂放不羁的音乐，但是他的朋友看得出，他的心已经被那个女孩带走了。 这其间有一个全片的高潮，是海上钢琴师与著名爵士乐演奏家斗琴的一场戏，极尽酣畅淋漓，可谓电影镜头的一个经典，也是许多看过并热爱此片的人津津乐道的——但对于我来说，却不是那么非提及不可，不知为什么。
终于有一天，海上钢琴师告诉他的朋友，他决定下船去了，他想象那个老人描述的一样，从陆地上感受海的美妙。从小看他长大的人们一一与他拥抱告别，他沿着并不长的舷梯，一步步向下，向着近30年从未踏上过的陆地走去，船上的人都在无声地瞩目。
可是，下到舷梯一半处时，在他的眼中，看到的是一片灰蒙蒙的城市，“高楼无边无际，我看不到城市的尽头”。（——这是海上钢琴师决定永远不离开船的时候对他的朋友说的）他可以看到海的尽头，却看不到陆地上的城市的尽头，命运注定了他的一生也离不开海，离不开那条船。于是，他将头上帽子摘下，非常潇洒地奋力掷到海中，非常潇洒地转身，步履坚定、面带灿烂释然的笑容朝船上走回去——这才是全片中给我留下最深印象的镜头——我想他是在向陆地致意，也是在向陆地永诀，从那一刻起，他的心里就清楚地明白，自己是永远也不会离开大海了，他没有这个力量，即使是为了美好的爱情，一度让他沉迷其中的爱情。而让他不会离开海的，只能是这艘船，还有船上的那架钢琴。
世界大战来临前，海上钢琴师的朋友离开了这条船。踏上陆地，朋友回头望去，看到钢琴师的在舷窗内望着他，而这扇窗，联结了他与陆地，从小时候，他还是个天真的男孩，就只是从这窗子眺望着不远处的陆地。
战争结束后，钢琴师的朋友回到当初离开的城市，知道那条船战时被当作临时医院，现在就要被炸掉了。尽管爆破的人们找不到船上还有人的迹象，但朋友知道钢琴师不会离开那条船，（要知道，他小时候就曾成功地失踪过，让移民局的人找了22天也没找到）他疯狂地在已变成一片废墟的船上搜寻着。最后，他从收购旧乐器店老板那里要回了钢琴师当初灌制的那唯一的一张唱片，在废船上的各个角落里播放着。终于，乐声唤来了钢琴师，他告诉这位朋友，自己当年在舷梯上究竟看到了什么，以至于在奔向爱情、奔向新生的路上半途而废――“城市望不到尽头，不是看到的东西让我停止，而是看不到的东西”、他认为陆地看不到尽头、看不到希望，“钢琴就不一样，只是从琴键开始，到琴键结束，你知道它有88个键，却可以演奏无穷的乐曲”、“陆地对我来说，是一艘太大的船、一个太漂亮的女人、太浓的香水味”、“我不能离开大海，最多，我可以离开自己的生命”。
于是，从多年前一见面就试图劝说钢琴师离开海的朋友，这次被他终于说服了，两人流泪、含笑拥抱告别。
钢琴师伸出修长的双手，凭空在已不存在的钢琴上演奏着，他带着那洞察一切、又从不在乎一切的微笑，向上空望了一眼，火光和爆炸声中，这艘船成为了灰烬……
所以，你可以说，海上钢琴师从来就没有存在过；你也可以质疑，他为什么不能到陆地上继续弹琴，但是，他是一个海上钢琴师，他爱的，只是那架海上的钢琴。那是他的人生，他的宿命，他唯一能有的选择。
有一种人，他们永远也不是生活在这个世界上的
一首听起来似乎支离破碎的钢琴乐拼凑出了回忆的形状，在泛黄的记忆中，音乐悠悠地穿过狭长的轮回轨道，拉开记忆的帷幕，拉开天才音乐的传奇与无奈。似有似无地在耳边萦绕，已分不清，那钢琴声是耳边还是留在心灵的柔软处，回忆那么自然地涌现，小号手开始了他的故事……
一双孤寂的双眼，一双饱含着人生所有色彩的双眼，一双充斥着音乐的双眼，一双惧怕的眼，无奈的眼，痴迷的眼，陶醉的眼……那双眼总随着他的音乐在涌动，在律动，在闪烁。他在用音乐诉说着他的心，他的情，他的悲，那双变幻莫测的双眼镂刻在了人们的心中。
一艘船，便是一个人生。
他生于船，死于船。留下的是那弥漫在人们心扉的钢琴声亦或者是那双眼。
电影采取了边忆边叙的形式，带领我们进入这位海上钢琴师的人生。
当那个小号手问他为什么不下船看看时，他说：“为什么为什么，为什么为什么……他们这些出生在陆地上的人就知道问为什么。冬天来了你们不能静等夏天，夏天来了你们又害怕冬天。你们总在追寻一年四季都是夏天的地方，我可不是这样……”
世间，到底什么是值得用生命来坚持的呢？爱情？事业？亦或是其他？在城市里营营役役中，我们等待着一个个春夏秋冬，追逐着所谓的幸福名利，在灯红酒绿里虚伪应对，游刃有余。在茫茫人海里，像回游产卵的鱼一般麻木挣扎，随波逐流。可回顾自己的手心，仍是空洞一片。而他，1900，他的选择，看似逃避，看似懦弱，却做回了真正的自己；他的害怕，源于他的自身所设定的禁闭空间里。他的勇敢，发自他内心所涌动的情愫与悸动；他的退缩，源于他对未来的无知与彷徨。他选择回到了他的世界里，在那个世界中，有他的全部——钢琴、音乐和船。
琴声响起又回落，给我美的指望，又将这指望切割得四分五裂，没有一个美好的世界吗？在无边的痛苦之外有没有无边的光和亮，像琴键一样？白与黑的世界可以互相印证彼此的存在？也许，他是悲哀的，他的一辈子也没走出那所谓的“牢笼”，但，他也是幸运的，像没有被世间污染的一方空气，舞动着灵性的光芒，挥洒着天才的骄傲。唯一一次，想“走出去”的欲望，源于他未成形的爱情。
从开始无意识、无感情、无奈的弹奏，到双眼前浮现的一张清丽的脸，镜头便随着他的视线，追随着他的情感、手中的琴键，诉说着他心中的懵动，音乐由舒缓、迟疑到一见钟情的震惊再到内心的激动。镜头随之切换到了他的身后，仿佛退到了旁观者的地位，而画面中的主体，便是他和窗外的她，环绕在其中的是空气中弥漫着的音符。他的眼睛在无声的诉说，他的音乐在有声的传情。屋内的他和屋外的她，视线却没有任何一次交集，正如他还没开始就结束了的爱情。弹完最后一个恋恋不舍的键，整首音乐一气成,那是影片中开始与结束的音乐，更是他爱情的音乐。
他终于没有离开，在他提着箱子，穿上大衣，走下舷梯的那一刻，镜头打向了城市鳞次栉比的楼房，城市的影子在雾里，市场从远方传来，耳边是尖锐微弱的鸣叫，脑海里是瞬间的空白与茫然。他停住脚步，抛起帽子，坚决转身。
爱情所有的，是舱房里两张纯洁的唇以及彼此凝望的双眼和一颗破碎的心。
在这部电影里，爱情很少很少，却能在不经意间动人心弦。生活里的爱情，要几分烟火气才能长久，而在1900维持的音乐乌托邦里，是不允许存在的。他是音乐领域路的英雄，钢琴、音乐、幻想、船构筑了他所存在的世界。1900，这个被抛弃与自我抛弃的孩子，带着他的传奇，消失在空茫的海上。
小手号说完故事，精明的老犹太店主似乎深受触动，把小号还给了他，说“一个好故事的价值，超过了一把旧的小号”语毕，小号手也
消失在了灰色的巷子的尽头……
的确，一个好故事是不能用金钱来衡量，他给人们传达的不只是一个故事而已，而是太多太多的刻苦铭心……
电影结束。
爱上钢琴，等于爱上死亡。《钢琴课》、《钢琴家》、《海上钢琴师》。每一部与钢琴有关的电影都是如此狠狠地撞击着心灵。用生命去爱琴声，用死亡去践前世之约。
第一次觉到钢琴的阴影是在《简爱》里。那本阴暗却有时温暖的小说成全了我少年时对爱情的全部渴望。简苍白弱小，自尊坚强，孤傲倔犟。我也是。想起她，便想起那句话，虽然最初并不是用在她身上的：有一种女人，她很坚决地背对你。然后，把头微微侧过来，告诉你，不要靠近她。简也有这样一个冷漠的背，却有一颗热烈的心。因为，她爱钢琴。那幅画面里，便是她擎着蜡烛走到钢琴边，坐下。
简没有死，1900死了。因为他只爱钢琴。他只为钢琴而生。自从他从底舱走上来，自从他发现了那架他的生命之琴。他做为单个人的命运便就此结束。
他拒绝录音：我与我的琴声不能分开。知道吗？那时他就已经放弃了生的需求。何需MAX再在临炸船前苦苦劝说？
他说：FUCK THE REGULATIONS。FUCH THE JAZZ TOO。如果他活着，他还会说；FUCK THE WAR。他没有户契、没有保险、没有身分。在人世间没有什么能证明他的存在。可却无人不知他的名字。于是他注定不属于现实、不属于人间。于是，你便不能简单地骂他懦弱，不敢追求自己的爱情。于是，你更不能笑他不敢面对现实，笑他不敢下船去追求新的生活。
该被取笑的，却是生活在陆地上的人们。从另一个角度来看海，果真会更美吗？他曾停在舷梯中间。往前一步是人生、退后一步是黄昏。可是他犹豫了，最后终于退后一步。自始自终，他并没有回过头来看一次海。他不想生活在另一端。
88个钢琴键，从船头到船尾，从船舱到船底。他能紧紧抓住的，只有这些。可是：我看不到陆地的尽头。我也看不到。曾经在城市中迷茫过的人，就不应该取笑他的胆小。固守心灵的那一隅，有什么不对？
MAX描绘的生活。乐队、风光、名声。于是，钢琴在陆地上只是个挣钱的道具。我与我的琴声不能分开。一个嗜琴如命的人，如何忍心仅仅用钢琴去谋生？可笑，这实在太可笑。
于是，他坚持的死亡又有何不可？MAX，你不并用泪流满面。用坟墓那端的眼睛来看，死亡对于1900是一种不可言状的美丽。
只是他还是有留恋吧。新奥尔良，清晨的时候会突然来一场大雾。在雾里没有人能看到教堂的尖顶。雾里有那双清澈的蓝眼睛、散乱的淡黄卷发、厚厚的嘴唇、忧郁的神情。还有那轻不可闻的淡淡一吻。
爱过，就够了。爱情，在他生命中，再也比不上钢琴。于是走吧，走到上帝那儿去。上帝的耳朵也需要琴声。而且上帝的房子永远不会被炸没。虽然在天堂里他也许会有两只右臂。
除了没办法画十字，不过只要能弹钢琴，就无可抱怨了。
本不是属于人间的精灵。正如青埂峰的那块石头。来人世走了一遭，却只在角落里掀起一角窗帘。终于明白这世界并不是他的，决意走了。质本洁来还洁去，不教污淖陷渠沟。
想起让我难忘怔然的一个墓志铭，父母给一个2岁夭折孩子立的：他来到这世上，四处看了看，不太满意，就回去了。
对这个世界，我们也不太满意。可我们回不去。
1900回去了。他爱钢琴，于是他爱死亡。
自由 希望
在好莱坞的电影里一般对影片的商业性很看重，而能像《肖申克的救赎》这部影片，将电影的商业性和艺术性这样完美地结合起来的影片，不是很多。更难能可贵的是《肖》这部电影的艺术性要远远超过它自身的商业性，以至于十几年后的今天，这部电影仍然倍受人们喜爱，甚至被认为是“男人必看电影”之一。
《肖申克的救赎》这部电影是从两个方面来拯救我们的：一方面是自由，另一方面就是希望。我将从这两个方面来谈一下这部电影。
（一） 自由是埋在心里的一枚种子
影片中有这样三个场景：一个是这样的，在一个春光明媚的清晨，囚犯干完活后，在屋顶闲散地坐着，很悠然地喝着安迪可以说是用生命换来的冰镇啤酒，享受着温暖悠闲的阳光，那就仿佛是在自家的屋顶上一样，享受着来之不易的自由……
另一个场景里，在安迪打开音乐后，监狱里响起了莫扎特的音乐，高亢优美的声音在监狱上空回荡起来，所有人，包括囚犯和狱警，在那一刻都朝向音乐传来的方向，安静的聆听，忘掉了高墙的束缚……
还有一个场景，安迪经过自己的不懈地努力终于建成了当时英格兰当时最好的监狱图书馆，囚犯可以像自由的人一样，在图书馆里获取监狱外自由的空气…….
安迪所做的这一切：冒着生命的危险只为同伴争取一段自由自在地喝酒的机会；宁可得罪典狱长和那个极其恐怖的狱警，只是为了囚犯感受到音乐里的那种自由的感觉；十几年如一日地写信，最终建成了一个像样的图书馆。在安迪看来，这所做的一切都只是为了两个字，那便是“自由”。人活着不能失去自由，即便是在监狱里，也应该尽力为自己争取自由，以为在他看来，人活着便是为了争取自己的自由。
影片从两个对自由的限制因素：一个是监狱；另一个便是体制化（institutionalized）；监狱是从肉体，身体方面来限制自由；而体制化则是从灵魂，精神上对自由的限制。影片强调的便是从精神上限制自由的体制化。
影片中有这样一段出自瑞得的话：“fist you hate them ,then ,you get used to it ,enough time passes…you get so ,you depended on them , that is institutionalized.（起初，你讨厌它，然后逐渐地习惯它，足够的时间后，你开始依照它，这就是体制化）。”“institutionalize”翻译过来的意思便是：使…制度化,使…一成不变。从这解释里可以抽象出成两个字那便是“同化”，对一个个体来讲，体制化的过程就是同化的过程，是一个个体在群体里或社会里，被大多数思想所同化的过程，而当这个群体或社会的思想不是一个多元化的空间时，这种同化的过程就变得越加厉害了。影片中一直试图给我们展现一个被强烈体制化（同化）的世界（监狱），典狱长，狱警以及监狱里的各种制度等等，都成了这种体制化（同化）的工具。
当然，我们每个人都没有生活在监狱里，所以也根本就无法感觉那种身体上的对自由的限制的痛苦，可这并不表明你的灵魂，精神上就是自由的。每个人不自觉地都在受到体制化（同化）的影响，没有人能够逃脱这种被体制化（同化）的命运。只要你现在问一问你自己：我还是不是自己以前想象的自己？我还是我自己吗？或许你就能感觉得到了。
自由是埋在心里的一枚种子，需要我们不时用自己思想的泉水去浇灌。影片中的安迪为了让拯救那些囚犯，不只一次地为他们争取到了自由的阳光。而我们呢？谁来拯救我们自己呢？我想，除了我们自己，还会有谁呢？！
（二） 希望是梦里会开的花
现时中没有一个人可以获取完全的自己理想的自由，但只要心存希望，我们便有了生活下去的勇气。
影片有这样三个相互比较的人物：
一个是老布：在监狱里生活了大半辈子的图书馆管理员老布，好不容易获取了自由，可是出狱后，整日里却生活在惶恐中，最终在极度压抑和忧郁中，草草地了解了自己的一生。
一个是瑞得：出狱后的瑞得，也面临着和老布几乎一样的心境，只是他心里或多或少的还存在那么一点希望——曾经答应安迪的一个承诺，最终活了下来。
另一个就是安迪，他经过自己的不懈的努力，钻过500码的污水管道，终于获取了自由。在倾盆大雨里，酣畅淋漓地呼吸着自由的空气，幸福的张开了双臂……
这三个场景其实是在问我们：为什么同样都是获取了自由，但为什么三个人却会有那么大的差别呢？
这便是由于“希望”的缘故。在安迪的心中一直就没有放弃对自由的希望，而且他也一直在为自己的希望努力着——每天晚上都要用那个小锤去挖瑞得认为几百年也挖不穿的墙壁。而对瑞得和老布来说，他们早就放弃了希望，以为在他们看来希望只能让自己更痛苦，甚至认为希望便是痛苦的根源。
影片中安迪对希望作了很好的诠释：“forget that there are … place … in the world that are not made out of stone, there is something … inside … that they can not get to … that is hope （不要忘了，这个世界穿透一切高墙的东西，它就在我们的内心深处，他们无法达到，也接触不到，那就是希望）。的确，正想安迪所说的，监狱的高墙可以束缚住我们的身体上的自由，甚至于体制化的东西可以束缚住我们的精神上的自由，但唯有希望不可以放弃。失去希望的生活是灰暗的，没有生气的，甚至是没有意义的。
希望是梦里会开的花，带着梦，带着希望，才能拥抱明天。
（三） 用荒诞诠释自由和希望的关系
影片出现了好些看似非常荒诞的场景：监狱里的图书管理员老布，最终获取了自由却自杀了；黑人瑞得好几次满怀希望地想被保释出去，却总是失败了，在最后一次，当他完全失去希望的时候，却保释成功；老布用颤抖的双手放飞了自己收养的小鸟，小鸟回归了自然，获取了自由，而老布自己却极不愿意回到社会里去……
影片试图用这些看似荒诞的场景来问我们：什么才能算是真正意义上的自由，什么是希望，希望和自由之间到底有怎么样的关系……
自由是什么？人的自由不同于动物，小鸟回到了自然，它便获取了自由；而人呢？人的自由肯定不同于动物，人是有思想的动物，人类的自由便是一种思想的产物。
影片在告诉我们，自由是以希望为前提的，你没有希望，没有对希望追求的勇气你便没有真正意义上的自由；严格来说，一个是很难达到自己理想中的自由。但这并不是说就要放弃对自由的争取，而且这种争取的过程就是一个人的一生。我们将这种对理想中的自由的渴望寄托在自己的希望之上，于是，自由和希望就联系在了一起。在我看来，影片似乎就是要告诉我们这个主旨。
（四） 自由和希望的完美结合的结尾
影片的结尾是这样的：湛蓝的天空下是蔚蓝的广阔的大海，沙滩边是一条小船，两个老朋友终于在阳光明媚的海滨相逢，彼此都很愉悦地相互微笑着……
这样的结尾寓意却是非常深刻的。湛蓝的天空和蔚蓝广阔的大海象征着理想中的自由；而那艘小船和两个老朋友的微笑则寓意对未来美好的希望。这样的结尾之所以能打动人心，就是因为它将自由和希望完美的融合在了，并且一起呈现给了我们。
自由 希望——评《肖申克的救赎》
我一直认为，一部好的影片至少要讲述一个“完整”的故事。这其中，构思精巧的剧情，激烈碰撞的人物必不可少。最起码，也得让眼球和耳朵过过瘾。我抱着这种“传统”看法已经很多年了。直至影片《碧海蓝天》的出现。
如果要想从本片的故事中找寻“刺激”将是徒劳的。导演吕克.贝松的这部早期作品与他以后拍摄的多部影片相比更象是一部“实验之作”。因为，支撑起整部影片的基石不是技巧，而是“本能”!如果让我陈述影片的剧情可能不需要三十个字。可以毫不夸张的说，《洛城机密》的分支都足以填满两部《碧海蓝天》。爱情、友情、亲情，导演也只是浅尝辄止。然而，近三个小时的电影我却看得如痴如醉。奇怪！平淡的故事加平凡的人物等于精彩的影片，导演是如何让这个看似荒谬的等式成立起来的呢
“放弃”不同于妥协，是因为有更“精彩”的主题需要彰显，因为影片触及到的领域已经超出了一般的情感界定，主人公颠覆常理的行为似乎也无法用理性的角度去解释。导演在此一扫细枝末节的羁绊，成功的唤醒了观众沉寂于内心深处的“海洋情结”。
杰克与亚舍是生活在意大利临海的两个小男孩。杰克忧郁、腼腆，亚舍开朗、自负。他们共同的爱好是潜水，（这可能也是两位主人公唯一相同的地方）。或许，童年的记忆永远都是灰色的，影片在记述这段历史时，采用了黑白胶片。杰克的父亲由于一次事故葬身海底。（与同类题材的影片处理为造成了主人公一生挥之不去的阴影不同）杰克似乎并未因此就惧怕海洋，反而更加“浸淫”于潜水。（在此，影片为主人公与众不同的性格埋下伏笔）与杰克近乎“本能”的爱好不同，亚舍虽同样精于潜水，但他所迷恋的却是天赋带给自己的成就感与“名誉”。两个孩子之间的友谊其实更多的是建立在竞争之上。（虽然杰克并不知晓这一点）
成年后的杰克与亚舍各奔东西，然而、命运的纽带却似乎总将他们系在一起。一次挑战潜水极限的比赛让他们再次重逢。生命与海洋之间的精彩对话就此展开。如果你是刚看完《完美风暴》再来欣赏此片，那杰克与亚舍的行为就肯定属于“疯狂”之列。《完》刻意表现的是海洋的狂躁和吞噬一切的恐怖。并用“黑色”来体现这一主题。然而《碧》却试图透过主人公那似乎“不可理喻”的疯狂行径来向观众传达“生命回归”的思想。孕育与包容一切的大海对人类而言不应该是陌生与恐惧的代词。所以，影片镜头里的大海永远都是湛蓝的，显示出一种壮观的美。并且，导演将这一风格贯穿始终，让人不禁产生与主人公一起畅游大海的冲动。
我们无法嘲笑杰克的纯真，因为当杰克与海豚一起嬉戏，流露出的笑容竟是那么清澈、甜蜜。我们也无法唾弃亚舍的自大，因为当一项世界记录被他刷新时，我分明听到被喜悦激荡后明显加快的心跳。影片主人公身上体现出来的素质正是生活在现代都市中的人最为缺乏的。这是一种未被世俗功利所侵蚀的“单纯”。一种为了追求梦想不惜牺牲一切的勇气。导演为了把这种分别更清晰的呈现于观众面前，特意安排了“乔安娜”这个角色。应该说，乔安娜身上体现出的气质与她的价值取向暗合了观众的普遍看法。她与杰克从相爱到疏离产生的各种冲突也可看作两种不同人生观的激烈碰撞。当然，导演最后还是让“梦想”战胜了“现实”，成全了影片“完美”的主题。
不可否认，挑战潜水极限有很大的危险性。导演也并未逃避这一事实。但是，他却通过角色的特立独行重新赋予“死亡”不同于一般的含义。杰克与亚舍在不断挑战记录的冒险中，似乎怀着一种使命感。这让我想起那句登山者名言“因为，山在那里。”真乃异曲同工也。本片主人公潜水的动机也很简单，“因为，海里有他毕生探寻的一个梦，为了寻觅它，每次潜水，都很难为自己找到一个上来的理由。”但是，极限并不代表无限，当比赛变作当杰克与亚舍两人之间的竞争时，死亡就已经站在一旁窥伺他们了。导演在本片中处理两位主人公死亡的手法是我见过最唯美的一种。我甚至都不愿将它称之为死亡，当我看到杰克与海豚最终相伴，游向海洋深处时，我更愿意相信这只是“生命的另一种回归”。而不是终结。
值得一提的是，本片的配乐非常有特点，精彩却不喧宾夺主，巧妙的融入影片绚丽的画面中并相伴始终。好似生命最自然、最原始的呐喊，给人一种深入肺腑的畅快与淡淡的感动。
《碧海蓝天》是导演吕克.贝松只身闯荡好莱坞之前的作品。整部影片呈现出一种清新、流畅的叙事风格，并流露出其对生命与自然深深的眷恋。这与他往后作品的“另类”有很大不同，（当然，本片主题也有叛逆的一面，只是比较隐秘罢了。）欣赏这种影片无须太多的智慧，你只须彻底打开自己心灵的窗户，让情感自然流露，并伴随着故事的起伏自由徜徉其中，最后，留给你的定是无限的惬意与一颗愈发明澈的心灵。
吕克.贝松曾说“电影，不过是一片阿司匹林”。看完这部影片后，我相信了。
【7】
希腊，银色的海，飞过白色的巷，孩子跳动的身影：诗样的画面，这就是碧海蓝天，吕克贝松的童话映像。
第一次听到这个名字是在读书的时候，大学门口的音像店里。从明晃晃的日头下走过没有一棵树的大道，没有树的桥，无数的老板娘殷勤的问候，但，不缺粮食，只有渴望。曲折一点，从挂满饰品的小店里经过，折梯，红色的墙，音乐已经在楼上了，翻开一张布帘，就是满眼的CD和DVD。那个时候大家都在议论吕克贝松的《贞德》，而我却在找那一张古旧的《地下铁》，当然是因为音乐，因为和音乐一样无与伦比的电影节奏。虽然没有，但老板打开了话匣，告诉我，碧海蓝天是吕克贝松拍的最美的一部。
第一次看到，是在羊皮巷的另一家小碟屋里，全美的双D5，微笑的小logo，至今还记得，一个阳光灿烂的午后，还流着从紫金山下来的汗，朋友，还有朋友。
我看电影大概就是这个样子，每一部都掺杂了不同的记忆，《Lolita》(1997)，三毛的梦田和赫伯特的车，摇摇晃晃在美丽的英国乡下，田野和曲曲弯弯的路；《Groundhog Day》，一米宽的屁股，口袋里挤扁了的烟，Bill Murray 展开四肢从教堂的尖塔跳下；《Death Poets Society》“Oh Captain, my captain”绚丽的画面和满座学生的喝彩，而碧海蓝天就是那闪过孩子们身后的白墙，黑白的色彩，空灵的音乐，梦一般的映像。
吕克贝松的每一部影片都可以说是节奏的盛典：画面，音乐和故事。早年的《地下铁》虽然借了阿佳尼的冷艳，但强烈的节奏相信谁都忘不掉，速度和简洁就是力量。碧海蓝天也如是经典。
一切过去都是黑白色的，童年和悲伤。铜板是神父奖给雅克的，沉默来自缺少的爱，但从不吝啬给予。不管是悲伤还是欢乐，因为有了记忆才有了期望，强烈的色彩及音乐把纯真的童年一下推到了热情的西西里岛：恩佐，虽然狡黠，其实还是纯真，没有奢望，只有童年的期望：雅克梅约。
秘鲁，神秘的国度。遥远的音乐和异乡的无奈，和善的老人、羊、雪山、巨大的头像，还有神奇。也许每个女人在皑皑雪色里都会爱上那个一身红色的男人，但雅克对乔安娜说的是，“I know you, in the lake.” 又是宁静。
乔安娜带走了雅克的心跳，和爱情。纽约是个烦躁的城市，不安，无眠。所以为了爱情，谎言也是美丽的。谎言，为了让恩佐免受妈妈的责备，乔安娜换回了冠军那夜天最丰厚的晚餐——la mama亲手端上的特大号的意大利面。在童话里，公主的谎言赢得了我们的笑酽，美丽，因为真诚，为了雅克。我会爱上乔安娜吗？
会的。但，美人鱼的童话里，公主不是的主角。主角在一片碧蓝里，在月光下粼粼的波光里，在甜美的黑色的海底：不属于你我的世界，只属于他一个人——雅克梅约。这就是我的家人，dolphin，谁会有这样的家人？
你知道怎么样才能见到美人鱼吗？这是美人鱼的童话：当你潜到最深最深的海底，周围寂静无声，只有你的心跳时，你开始想念她们，然后就是考验，漫长的等待。 美人鱼在考验你是否是真心爱着她们，直到她们确信你的衷心，就会出现在你的面前，然后永远和你在一起。这是雅克的童话，他爱乔安娜吗？
爱，因为雅克看到了他的家人。我想，我爱你。
恩佐?莫迪里阿尼。王子一样的名字，雅克的变奏：强烈而奔放。是西西里吧，灿烂的阳光，艳丽的色彩，放纵一般的热情。在海底和雅克翩翩起舞，他也看到美人鱼了吗？
这不是个潜水的故事，是大海，最蓝最蓝最深最深。如果你能看到美人鱼，你就能明白什么才是你的Destination。最深最深的是自己的归宿。雅克爱上乔安娜，但，这并不是他的归宿。他是属于那片grand blur 的，不是逃避责任，而是承担。雅克是属于她们的，而恩佐是属于我们的。雅克回到了童话，而恩佐留在了记忆里。乔安娜是我们自己，爱上了，失去了，吕克贝松的电影童话至此结束。
《肖申克的救赎》影评（转）
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http://blog.sina.com.cn 2007年02月06日00:51 优优蓝军
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一、引子
盛夏，大洋彼岸，身着西装的Karl走进洛杉矶斯台普斯球场落败的湖人队更衣室时，空间一片沉静。
片刻过后......
奥胖带头说：Karl，对不起。
Karl说：没什么对不起的，这个世界上有很多不该戴总冠军戒子的人带上了戒子，同样有很多本该戴上戒子的人没有戴上总冠军戒子，我很幸运自己属于后者。
突然间，一向对"邮差"没有好感的我对这个已过不惑之年的长者生出几分敬佩。
影坛如体坛，同样有着具有Karl实力却没有得到"冠军戒子"认可的影片，而这样的影片首推《肖申克的救赎》。
虽然，巅峰对决中Karl两度败于MJ，《肖申克的救赎》在1993年奥斯卡角逐中输给《阿甘正传》。迄今为止，就电影而言影坛上还没有像篮雷坛中MJ一样的至尊，《乱世佳人》、《教父》、《指环王》等片堪称伟大，但其更像是球场上张伯伦、伯德一样的巨星，任何一部也不足以到"最伟大"的地步。在这种标准尺度下，《肖申克的救赎》可谓是这群"巨星"中伟大的无冕之王。
二、看片
闻《肖申克的救赎》的大名已久，只缘种种因由一直未能一睹芳容。"十一"过节，偶遇此佳人，遂抢入怀中抱至自诩为高级配置的办公室电脑影院，一番亲密接触后，感觉三生有幸，久久不能忘怀。以"奇片共欣赏"的心理，把此佳人送于朋友。怎料数日过后极为想念，为免受相思之苦，狂奔数碟店再获佳人，随后在同一地点，同样的接触，更强的感觉过后，同样的心理使我再失佳人。然情已太深爱已太浓，在送碟老板的"撮合"下，与昨日重得佳人，于是，深夜亲密接触之后，决定为其敲击键盘留下永久记忆。如果毛爷爷在世，一定会面对微笑轻拍我头送上"此木可雕"的赞词。毕竟，我以行动践行着老人家关于"发言权"的论说，即使是发的言或许不那么正确。
三、关于影片
如果把一部电影比作一本小说，那么《肖申克的救赎》无疑是一部伟大的小说。它反映着现实的社会生活，用经典的对白和多种修饰刻画出多个人物形象，用简单的方式组织故事的主线并伴以多条辅线，以艺术的画面表达着故事的主题，给我们深刻的教育和久久的思考。
140分钟后，在我脑海里总会浮现很多经典的台词和对白，譬如：keep busy living or get busy die""some birds aren't meant to be caged"......三次例行的每十年一次的假释审查以及"二老"（老布和老去的瑞德）获释后生命不同的归宿产生强烈的对比，刻画出一个个鲜活的人物形象。
主人公安迪，集不幸、坚忍、智慧于一身，当看着他爬出监牢的那一幕，他仿佛成为我心中的真主，如果他是拉丹，那我愿开着PLANE撞向美帝的五角大楼＠＠。瑞德富有极强的办事能力，知错愿改，在特定的体制下属于那种很能混的市民的代表。典狱长诺顿，是权力的象征，他的虚伪、贪婪、残暴加上他稳坐不少于二十年并颇受好评的职位，让我不禁想起了曾经一位学友的名言：做人的缺点就是做官的优点。老布，则是一个保守的弱势群体的代表，轻轻地来了，无言地走了。狱警长海利，一个凶残、自私、攀权的形象，生活中这样的人会成为权贵的红人，而他展现的形象与世界舞台上跟在美利坚身后那个助纣为虐的不列颠嘴脸倒有几会相像。汤米的短暂出场也留给我们一个年轻、叛逆富有爱心的青春形象。
影片故事的组织并不复杂，没有《灵魂的重量》中那样的闪回，也不具《低俗小说》那般串联的叙事，影片以讲故事的形式诉说主人公逃狱、重获自由的历程（大致如图）。
当然，影片除了安迪重获自由这条主线剧情外，导演弗兰克以其极强的控制能力成功地叙述了瑞德、老布、汤米、典狱长等人不同的故事，这些故事出现在适合的场合，结束在需要的地方。譬如，在安迪才华展现，取得民心和上层的赏识，一切看似平静之时，汤米粉墨登场，而由他制造了影片最大的冲突与高潮：安迪的冤狱可以雪洗；而他的死意味着安迪逃狱的到来。
影片的摄影也极为出彩。押解我们主角到监狱的一幕，便是一段极为漂亮的长镜头；当《费加罗的婚礼》之声响彻在SHAWSHANK时，从厕所、操场、劳工间、病房掠过的镜头停留在喇叭下人群中时，我想到了《辛德勒名单》中在那段犹太人操场体检的场景。
影片成功人物形象的背后是演员演技的绽放。对比汉克斯扮演的阿甘，我得不出罗宾斯扮演的安迪逊色的结论，安迪在黑暗中，在经自己努力获取的片刻光明到来看着狱友喝着啤酒时的微笑，让我重忆《神秘河》里在西恩.潘面前苦苦哀求、颤动着嘴唇的罗宾斯。弗里曼不会成为大红大紫的巨星，但他的演技早已得到人们的承认，影片中他出色的表演无懈可击，成功塑造了瑞德这个有血有肉的形象，让人不得不为这位黑人影星鼓掌叫好。记不得冈顿还塑造过什么经典的形象，但《肖申克的救赎》中典狱长足以留下银幕上一张经典的冷酷面孔。
四、感触
现实中，我们注定是主角，不具洞悉生活的眼睑。而电影给我们一个局外人的机会，所以总喜欢以一个局外人角色从影片中寻找自己、审视自己，总喜欢从电影中寻找生活、审视现实。这一次我看到最多的是体制下的自由和永不熄灭的希望、压抑下的友谊以及善恶的归宿。
SHAWSHANK就如现实社会的一个缩影，那里有最广大的"遵纪守法"的市民，有横行街市的恶霸，有滥用职权的当道者，有巧取豪夺的投机者，当然有潜伏伺机而发的智者。SHAWSHANK中生存体制又如当今社会体制，"痛改前非"的人一次次被重新投入黑暗之中，当权者干着肮脏的勾当却会在公众面前宣讲"拯救之道"，似乎只有当性格没有棱角，思想失去火花，被"体制化"的人们习惯逆来顺受的时候才可以平安生存。影片中当瑞得"因没有报告而撒不出一滴尿"时，伴我的不是发笑而是颤栗：体制可怕啊！老布在光明到来时因无法承受阳光的照耀而选择死亡，那一幕，我看到的不是老布悬挂着的身躯，而是个性与思想的死亡。
每每看完影片，总会回味"制度化"这三个字，疑问这三个字最大的含义所在。我想这三个字最大的含义，或许不是上述真正的体制，而是我们所依靠的习惯生活。平时，我们依靠习惯生活，也在超越着习惯，但最多可以有限度地实现个人的自由，就象安迪一样拯救自己了自己也拯救不了集体。瑞德一直在努力"改过自新"，却又无助地习惯性地生活，最终在最后的每十年一次的假释审查时，留给我们一段经典的台词：
"我没有一天不在后悔，但并非受惩罚才后悔。我回首前尘往事，那个犯下重罪的小笨蛋。我想和他谈谈，我试图讲道理，让他明白什么是对什么是错，但是我办不到，那个少年早就不见了，只剩下我垂老之躯。"
我想瑞德绝不是对审查者说这番说，而是说给我们芸芸众生。是啊，生在人世间的你我凡人，在不知不觉中，便会在习惯性的生活状态中耗费掉自己的生命。很多时候，我们会说：如果能够回到过去，能够纠正那些走错的路、做错的事、说错的话，该有多好！如此，我们会面对那些爱错或没有爱错的人，会用所有的激情和真诚再博一次。可是，世上没有如果，我们无法回到过去。
《肖申克的救赎》无疑是一部励志的杰作。影片中，年轻有为的银行家安迪，因被误判杀妻及情夫，被处以两个无期徒刑，饱受牢狱之苦。然而，牢笼锁不住欲飞的翅膀，在经过近20年漫长的准备和精心安排后，一个雷电风雨交加的夜晚，安迪爬出监狱下水道和排泄管后，脱去衣衫，伸出双臂去拥抱自由的风雨。那一刻，长久被压抑后释放的生命张力被放大到极限，希望带来的能量尽情释放。此情此景，联想到身处的这个社会，越来越多的人在名与利的驱动下追求速成与"暴富"，媒体也充斥着速成与"暴富"的捷径。而更多的人在一次次的失败与错误中徘徊、迷茫甚至丧志，曾经满腔热血、指点江山的莘莘学子也用事实写就着一条看似荒唐却不无道理的规律：从刚刚走上工作岗位"大有作为"的理想，到屡受挫折后"难有作为"的清醒认识，再到理想破灭时"无所作为"的是悲观论调，最后选择向仕途爬升的途径――"胡作非为"。一切似乎都在表明，日常生活埋葬着所有的希望和梦想，以及对幸福、自由、友谊和爱情的感知能力。面对挫折、艰难、失败，是消沉还是奋进，是坚持还是弃守，是偃旗息鼓还是励精图治，《肖申克的救赎》给了我们一个明确的答案。
朋友，如果你考试落榜，求职失败，被炒失业，爱人分飞......不要气馁、不要绝望，给自己一个微笑，去看看《肖申克的救赎》，或许，它给带给他前行的力量。
影片中安迪和瑞德演绎了在压抑之下的可贵的友情。押送犯人的长镜头过后，安迪在狱中的第一个夜晚显得异常安静。从那个时候开始，瑞德开始认真看待安迪。安迪沉默的内心世界，只有瑞德可以感受到。在SHAWSHANK中，他俩有着不同的本领和才华，但两人却有着共同语言，在没有自由的岁月里，一幅海报、一块石头、一支口琴、一句简单的语言，这些普通的东西成为两个朋友生活中珍贵的鼓励和支持。这些友情的细节又一次触动了我内心深处那些逐渐被尘封的记忆。峥嵘岁月，年少的同学球场竞技，看球评球，下棋评棋，然后争得面红耳赤，碟碟不休地进入梦乡，像在梦里也要大战三百回合斗个你死我活，尤与"往事如风"（网名）之间的那种理解、默契、互助的生活，今日想来也颇有几分感动。时过境迁，而今的在这个环境中，喜欢在一个人的日子躲进电影的小楼，不管冬夏春秋。
影片至始至终给我们展现善与恶的斗争，开头狱警打暴肥仔、"三姐妹"欺压安迪，到后来典狱长贪污、杀人，邪恶压制着正义，一切显得永无光明。尤其是汤米的死，同样在提醒初涉社会的年青人，如果稍不留心便会成为邪恶获取胜利的牺牲品。直至影片行将结束，我才看到一个想要结局，安迪重获自由和诺顿的畏罪自杀宣告了正义的胜利，证明了恶有恶报的简单道理。
五、结语
在世界足坛有一个叫荷兰的"无冕之王"，它盛产足球天才，全攻全守的打法被它演绎得激情四溢。它始终有屹立说话的底气，但命运总会和它开一个个玩笑，至今没有世界金杯的光环。
然而，拥有荷兰的大赛总会留下经久不衰的记忆，这才是心中真正的王者。
《肖申克的救赎》，你就是这样的王者，铩羽在一九九五，凯旋在我的心中。
电影与爱的回顾－－－＜天堂电影院＞
＜天堂电影院＞属于新现实主义导演朱塞佩＊托尔纳托雷回家三部曲（＜玛莲娜＞，＜海上钢琴师＞）之一．这部意大利９０年代的电影，无论是在片长还是获得奖项都是创举．三个小时的展示和多个奖项的获得，证明了欧洲电影的非凡能力．
影片从轻柔舒缓的主题音乐开始，倒叙的方式，从意大利人不得不面对的那段历史开始．二战的结束，电影这一学派竟然突起于在经济，军事和政治上面临全面崩溃的法西斯国家中．
当多多与母亲走过废墟的街道，断壁残墙上依然还有着破烂的电影海报．当每次小镇上的天堂电影院放映电影时，都是坐无虚席．只有古板的教父因为不看所谓的＂色情片＂而命令老放映员艾佛特剪去影片中的吻戏，所以随之而来的还有人们看到剪辑后的影片的愤怒．电影所带给小镇的不只是快乐，人们在精神上需要得到抚慰与满足．
片中的蒙太奇技术运用得十分到位，当中年多多躺在床上开始回忆，海风轻轻吹入屋内，屋内风铃叮当做响，镜头转换，闪回到童年多多身穿白色教服，在教堂里睡觉，手里拿着祭祀用的摇铃．当艾佛特手轻抚在多多脸上，再展开时，童年多多已经变成了少年多多．
影片同时还具有许多象征意义．老放映员艾佛特就像是老电影的发展历程；小镇的海边锈迹斑斑的铁锚，像是展示小镇生活的枯燥；当古板的神父赶到车站送外出闯世界的多多，又像是一个时代已经结束；正如坐在电影院二楼的一位戴眼镜的观众，喜欢往楼下吐痰，而最终被人用垃圾击中．其中还有新旧天堂电影院中的圣女塑像．
伴随影片的还有多多的爱情故事．年少时的迷茫，在电影院中与妓女作爱，当遇到他命中所爱的女孩，他可以天天晚上去姑娘家门口，等待那扇窗开，连新年也不例外．可是由于姑娘父亲－－一个银行家的极力阻挠．美好初恋的破灭，出去闯荡的多多由懵懂少年变成了一名知名的导演．
影片中有许多精彩镜头，对不同时代同一时石狮子头的特写．当门铃响起，正在织毛衣的母亲起身去开门＂我知道一定是多多回来了＂镜头切换，多多与母亲相拥，毛线从楼上绕到了院子．还有一位在电影院中逝去的观众，当再去拍到那排座位时，上面有一支花，代表着那位观众还在全神贯注地欣赏电影．还有一位总在电影中主角之前准确无误地说出台词，连＂FINE＂（结束）都不放过．这些镜头或让人捧腹大笑，或让人深思感动．而这些更多的是一种真情的流露，真实与艺术的高度结合．
s在故事的最后，曾经无比辉煌的天堂电影院被迫轰然倒下，爱凑热闹的年轻人在嬉戏，奔跑，成年人更多的是凝视沉没．到底是天堂被人们抛弃，还是人们抛弃了天堂．美好的东西没有被保留，或许有更美好的东西会被创造．结尾以艾佛特送给多多的礼物－－老电影中的吻戏剪辑展示为结束，这不仅仅是艾佛特对多多的爱，还有那些让人们重温的老电影让＊雷诺阿的＜底层＞，维斯康蒂＜大地在波动＞，约翰＊福特＜关山飞渡＞．这些戏中之戏，影中之影，构成了＂天堂＂之梦的独特梦境．让人沉思，怀想，感慨．
故事发生在50年代中期的意大利一个战后贫瘠落后的小镇，对于小镇人来说全镇唯一的乐趣就是拥挤在一个破破烂烂的一个叫做天堂电影院的地方看电影。放电影的是个粗鲁但是热心的男人叫ALFREDO。聪明伶俐的小男孩TOTO经常逃学跑到电影院的小放映屋里找他玩，看他怎么摆弄那些胶片。愚昧而且保守的小镇有个要求是不能让市民们看见电影中的所谓色情镜头，于是ALFREDO不得不把那些黑白老电影中的爱情场面加以剪切。每当电影院里人头攒动正在兴致勃勃的观看一部电影，男女主人公全情投入，电影就嘎然跳到下一个镜头，而下面已经是嘘声一片。小男孩TOTO喜欢这个光与影的魔力世界，他成了ALFREDO的好帮手。然而不幸的事发生了，在一次火灾中ALFREDO的眼睛被烧瞎了，从此小TOTO真正担当起了放映电影的任务。。。ALFREDO爱抚的摸着小TOTO的脸，拿开手，那张写满童趣的脸已经换成了一张俊秀的青年人的脸。TOTO长大了，他为小镇的人继续放着那些剪过的电影，他还爱上了美丽的女孩ELENA；他不得不离开ELENA去服兵役；他在回到小镇之后约ELENA来天堂电影院见面，可是ELENA没有来。。。ALFREDO对痛苦中的TOTO说：你走吧，去看看外面的世界，离开这个让你伤心的地方，好好干一番事业，永远都不要回来！于是告别了母亲和妹妹，TOTO踏上了离乡的路，此时响起的音乐哀愁，忧郁，提琴的合弦好象把人心都拨动了，如泣，似诉。。。火车上的TOTO回头去看渐渐变小的亲人的身影。。。镜头闪过，是一张苍老的脸，他，还是那个TOTO，在阔别故乡30年后回家了！他是回来参加ALFREDO的葬礼的。母亲听到门响跑出去开门，毛衣针掉在地上，那件打了一半的毛衣的一根线一直被拉扯着，最后不动。。。窗外，30年没见面的母子拥抱在一起。。。参加完葬礼，已经成为电影名导演的TOTO在小镇人的簇拥中和老朋友寒喧着，然而他的神情却总是有些落莫和孤寂。他终于也看见了当年的恋人ELENA，ELENA已经有了一个幸福的家，有丈夫和两个孩子。都已经苍老的TOTO和ELENA在海边又重逢了，他说：你没变，还是那么美丽。。。ELENA提起了过去，TOTO激动的问：当年为什么你没有来？这么多年来我无时无刻不在想着你。。。只有你，才会给我那种和小时候父亲给我的感觉一样的---心碎。ELENA的眼泪流了下来，她说那天她去赴了约会，但是只遇到了ALFREDO。ALFREDO告诉她说TOTO已经决定放弃他们的爱情，要远走高飞了。。。两个人在这一刻才明白了一切，他们终于微笑着彼此理解了对方，动情的拥抱在了一起。TOTO要离开小镇回罗马了，临行前他来到天堂电影院所在的广场，老的天堂电影院要被拆掉了，所有的小镇人都在看着，看着曾经给他们带来欢乐和笑声并且铭记了一个时代变迁的电影院在眼前消失，广场里那个30年前的疯子依然在说着30年前的疯话：这个广场是我的。。。TOTO带着ALFREDO留给他的纪念物---一卷胶片回到了罗马，做在自己舒适的放映厅里，他开始看那卷胶片。。。刹那间他被眼前的这部影片惊呆了，原来那是当年所有被ALFREDO剪掉的老电影中的爱情镜头！他们被拼在了一卷胶片中，全部都是热恋中的男女主角拥抱，亲吻的镜头。。。Clark Gable和Claudette Colbert ，Humphrey Bogart和Ingrid Bergman 。。。那么真切，那么真实，那么甜蜜，那么热烈。。。TOTO，这个一生没有得到爱情但也许是曾经拥有过爱情的电影导演看着，笑了，眼泪在灯光下发出亮晶晶的光芒。。。音乐再次想起，宽容，抒缓，预示出一个小孩子美丽纯真的梦，一段热情温馨但也许是苦涩无奈的爱情，还有面容间经过岁月的冲洗之后一个成年人再次回首往昔时释怀的笑
<<天堂影院>>
托那托雷的电影我都喜欢,<<西西里的美丽传说>><<海上钢琴师>>都是他的作品,我最喜欢这部,是因为他能唤起我关于童年的记忆,哪个叫多多的男孩我相信所有人都喜欢,活泼,天真,勇敢.虽然有点不幸,过早的失去了父亲,但是他的笑脸依然灿烂.多多与电影放映员艾弗特就像父子一样,艾弗特把裁剪下的胶片送给多多,多多不顾一切的从大火中救出艾弗特,一幕一幕,温馨感人.
多多的恋情相信一定会勾起爱过的人的回忆,凄美真挚.留下的也只是回忆.无奈.
我喜欢艾弗特说给多多的哪个故事,一个士兵在等待了99天后,离开了公主的门前,虽然公主说过考验他100天.
多多是守侯在心爱之人艾莲娜的窗前.
爱人一去无踪迹,杳无消息,多多离开家乡,几十年后,多多归家参加艾弗特的葬礼,却发现艾莲娜嫁给了一个小学同学,那个小时候显得弱智的家伙.
多多已经成了一个很著名的导演,但是还是孑然未婚.他忍不住给艾莲娜打电话.
多年重逢,彼此都很激动,多多质问艾莲娜当年之事.却发现一切都是艾弗特搞的鬼.是艾弗特欺骗了他们.而且多多伤心之时,是艾弗特建议多多离开家乡,永远不要回来.
多多明白,如果没有失恋的痛苦,他就没有用电影表达什么的愿望,自然成不了现在的事业.但是心中仍旧无限惆怅.
一夜风流显然不能减少不能斯守一生的遗憾,何以解忧,看电影了.于是多多就坐进了电影院.
片长：122分钟
年代：1989年
出品国：意大利 法国
导演：吉赛贝•托纳多雷（意大利）
演员：菲力普•诺雷、萨瓦特利•卡西欧
获奖情况：第四十二届戛纳电影节评委会特别大奖（1989）
第六十二届奥斯卡最佳外语片（1990）
第四十七届全球奖最佳外语片（1990）
第二届欧洲电影奖最佳男演员（1989）
第二届欧洲电影奖评审委员特别奖（1989）
第四十四届英国电影学院奖最佳外语片（1991）
第四十四届英国电影学院奖最佳电影配乐（1991）
第四十四届英国电影学院奖最佳原著剧本（1991）
第四十四届英国电影学院奖最佳男演员（1991）
第四十四届英国电影学院奖最佳男配角（1991 ）
故事梗概：
西西里岛上的吉安加村有座小教堂，教堂前有一家电影院，叫做“天堂电影院”。故事就在这里展开，多多喜欢到戏院看艾佛多操作放映机，并和他建立了真挚的友谊。天堂戏院是村里的文化中心、精神支柱，这里的人热爱电影，电影是他们的生活重心，这里的人热爱电影，大家随着电影的情节或哭或笑。放映时的失误导致戏院失火。多多成了艾佛多的助手。后来成长为专业的放映员。艾佛多不仅教他放电影，更教他做人。经过与当地银行家女儿艾琳娜失败的恋爱之后多多到罗马游历。艾佛多教导他不要回来，去发展自己的事业。一晃30年过去，多多成了名导演。直到听到艾佛多的死讯，才唤回他儿时的记忆……
影片欣赏:
“天堂电影院并不仅仅是间放映厅。对我来讲，这是一个奇特的、文化与社会启蒙的地方。一代意大利人曾在这里受到熏陶。我倾向于认为，电影院对一个人来讲或许可以说是一种生活目的，在影片和他本身，和他的愿望、期待之间，也许就存在一种联系。”
――吉赛贝•托纳多雷
《天堂电影院》是一部充满怀旧意味的影片，它没有《悲情城市》营造的氤氲蒸腾的悲怆，也没有《美国往事》在时空结构重组上的雕琢探索，导演用一种单纯的方式在情节设置和视觉表达上，不张扬，不渲染，以一种意大利人特有的幽默呈现了一段明朗婉约、温情脉脉的记忆。正如布莱松所说：“一门艺术只有在保持它的纯洁性的时候，才具有真正的力量。”
这是一部自传性色彩很浓的影片，导演有意在回忆中选择了童年多多的视角，而这一规定性就必然在创作过程中对真实历史的选择发生作用。意大利的四五十年代的贫困、落后和猖獗的黑手党活动没有被着意表达，反而在多多的视角中被净化为充满趣味的片断，或许隔着遥远时空咀嚼苦涩会带着齿颊留香的芬芳吧。这一视角的规定性也成就了影片温婉清丽的风格。
一、有关电影的集体记忆
设在教堂里的电影院，是全镇人的唯一的娱乐文化中心，这里是离上帝最近的地方。为什么导演要将电影院设在教堂呢？在意大利人的生活中，家庭是第一重要的，其次便是教堂。教堂对于意大利人来说，就是他们的第二个家，他们对教堂既有尊敬之情，同时也把它当作寻找乐趣的地方，教堂是人们社交和集会的场所，是穷人和富人在困境中可以寻求精神解脱的地方。可以说，再没有人能像意大利人那样从教堂里得到那么多，因为没有人能像他们那样对教堂投入那么多。而导演将电影院和教堂进行了一种联姻，使电影和信仰形成了一种同构关系。
同时我们看到光影交错从一个仿海神特里顿面孔制造的“真实之口”的浮雕喷吐而出，传说说谎者的手若放入“真实之口”中，会立刻被咬住不放。当“真实之口”作为意象被不断强调的时候，当电影从“真实之口”摇曳而出的时候，电影和真理又形成了另一种同构关系。我们领悟到导演的用意：那是一个电影黄金时代，那是一些相信电影中的世界甚于相信现实世界的一代，他们代表着人们最纯朴、最彻底的电影文化倾向：电影是一种精神寄托，是一种文化养料，是真理，是信仰。
如果说《悲情城市》、《美国往事》都是通过通过一种个体经验的概括力来表达某种集体记忆的话，那么,《天堂电影院》也是一部关于一代人对电影集体经验的怀旧电影。导演通过集体群像的描摹，通过细节的铺陈，把个人对电影迷恋，把他关于电影至上的时代记忆，融进了影院生活的场面中。看电影是一种充满仪式感的行为状态，当无边的黑暗吞没观影者时，似乎所有人都回到了母体之中，荧幕上的光亮是我们在母体中偷窥世界的窗口，人们在别人的悲喜中丰满着自己生命的存在。这是一个心灵的栖居地，人们在这里聊天、睡觉、嘻笑、玩闹，结识友情，等待爱情……超脱尘世的艰难，人们在电影的爱恨情愁中浸淫。
电影中有很多相当有概括力的影像展现了那个电影黄金时代的盛况：
中景——一老一少两个观影者分居画面两侧，他们目不转睛地注视着电影字幕。
“你知道讲什么吗？”
“不，我不识字。”
“原来你也不识字啊。”
说完后，二人又继续注视荧幕。
这一组画面以幽默的笔调展示了一种对电影的虔诚，那种信念的绝对热情让我们有种亲切的体认。
另一个细节是在音乐的伴奏下，神奇的银色画面缓缓滑过桌子，流过墙壁，跳上窗台，飞出窗外，投影在广场边建筑物的白墙上。人们犹如参加庆典般隆重与激情澎湃。这就是电影的魔力：有人抛下生病的妻子赶来看一部心仪已久的影片，有人在电影散场后仍然对影中人物命运的浮沉津津乐道，有人一遍一遍地重复看最爱的那部电影，即使每句台词都已深刻记忆，但仍旧无法自拔地陷入其中并一遍遍地泪流满面，放映员艾佛多从电影中学习提炼种种人生感悟……这就是电影神奇美丽的气质，它不仅让人沉浸其中以忘却现实苦难种种，更让人领受它深刻的教诲。
影片直接或间接的表现了电影艺术和技术发展的一段历史。用一系列的经典影片展示了电影的发展历程。天堂影院里曾经出现了让•雷诺阿的《底层》，约翰•福特的《关山飞渡》，安东尼奥尼的《彷徨》等耳熟能详的经典影片。
《天堂电影院》以自然、流畅的回叙语态将生活往事与电影往事天衣无缝地融合到一起。这些心潮澎湃的集体记忆在《天堂电影院》中被激活。每一代的人都有一些隐埋在记忆深处的情愫，或许和电影有关，或许与电影无关，但总有那么一些情感是在岁月流转后依然让我们怦然心动的，如同露天影院之于六十年代生人，射雕、上海滩之于七十年代生人一般。电影成为一代人回忆的载体，在集体记忆中得到认同。
二、有关乡愁
迷娘
你知否柠檬花开的地方，
阔叶浓荫下柑橘在绽放，
柔风起自于蔚蓝的天空，
长春藤静静月桂正高耸，
知道，是吗？
那方！那方！
我想和你，心上人啊，迁往！
……
——歌德•《迷娘》
迷娘，是一位意大利姑娘，她忧伤地浅吟低唱，在德国思念她的故乡——那个柠檬花开的地方。这首被海涅称为“写出了整个意大利的诗歌”，弥漫着柠檬香一般甜甜酸酸的味道。而用它来形容导演在《天堂电影院》中所要表达的乡愁主题就更确切不过了。沙瓦托为了成就梦想，离开了家乡，一晃三十年，他已是一位功成名就的导演，直到他听到年少时的良师益友艾佛多的死讯之时，才唤回他儿时的记忆。在那个暴风雨的夜晚，雷鸣闪电将他内心的波涛汹涌外化，在回忆中，那种乡愁的叙事香味在不断的闪回镜头与现在时空镜头交叠映现中传递着……
《天堂影院》是“一部关于电影的电影，是一部缅怀电影历史以及人的情感历程的怀旧影片”（司徒兆敦语）我以为所谓对“人的情感历程”的怀旧就是一种乡愁，这里的乡愁不单包含伦理家庭中的亲情因素，还有亦父亦友的与艾佛多的忘年情意，那场风花雪月的刻骨铭心的初恋，还包含成长过程中的精神和文化的根源。这一切犹如母亲手中的毛衣，那条被牵扯的毛线，无论走到哪里，都系着遥远的这头。
影片涉及了“变”和“不变”的主题。沧海桑田，物事人非，似乎一切都是变幻无常的。导演运用了一种春秋笔法，对时间的流向做了一番简洁凝练的诠释。导演有意通过多多的视角从天堂电影院的放映间俯拍广场的镜头共有三次：一次是小多多看到人们骑着骡子悠闲地在广场上漫步，妇女提着水桶到广场上取水，小贩在叫卖丝袜，农妇们在刷红木板，孩子们剃头洗澡；第二次是青年多多等待情人伊莲娜来送他，从窗口俯视，此时的交通工具已经变成公交车；第三次是中年多多回到家乡，登上即将被拆迁的电影院放映间，依然是那个窗口，看到的却是小轿车排满广场，墙上挂满了各种各样的广告招贴画。虽然小镇生活波澜不惊，但导演选取了一系列小细节反映生活的进程。从最初的由教士审片，将电影中的“***”镜头删除，到电影院重建后，第一次出现吻戏，再到后来***影片的播放，甚至影院一度成为***场所，从小学校中同学的道别看到当时国内党派之争，再到常在影院中睡觉的中年人死于黑手党枪下，从电影院曾是小镇唯一的文化娱乐中心，到后来影院旁边的咖啡馆的建立……寥寥数笔，简练的勾勒出“变”的主题。
我认为有两场戏值得对比，一场是天堂电影院由于一次意外失火燃烧殆尽，另一场是影院在停止营业一年多后推倒。导演在设计场面的时候，运用了相同的机位，出场的人物也几近相同，甚至是他们站立的姿势。但是两场戏处理的效果却完全不同。当大火吞没电影院时，“真实之口”的浮雕在火焰中咆哮，圣母玛利亚的雕塑在火中祈祷，废墟前，人们悲痛无比，教士高喊：“我们的电影院没有了，我们哪来的钱再盖一间啊！”“我们以后没有地方娱乐了！”因为人们疯狂地爱着电影，所以，很快的，中了彩票的奇奇欧盖了一座全新的电影院，全镇人民重新拥有了娱乐的基地。但是三十年后就不同了，教士落寞的说：“已经很久没有人看电影了。”取而代之的是有线和无线电视网。曾经那样热爱电影的一群小镇居民，包括沙托瓦，目睹了天堂电影院在一声轰鸣中化为乌有，影院的坍塌意味着一个电影时代的终结，人们依旧以站立的姿势目送了一个时代的远去。当更多的选择更多的娱乐放在人们面前，他们分散了人们的注意力，也消解了人们对电影的信仰。没有人知道电影还会不会成为我们的梦境和理想。富有意味的是，在影院倒塌后烟尘未尽时，就有年轻人骑着摩托车闯入废墟中嬉戏玩闹。这意味着一种全新的文化倾向迅速地侵入旧有的价值理念，新旧交替的惊心动魄在废墟与新兴人类的活动中得到强调。对比手法的独到和强烈令人喟叹。
而相对于“变”，我们也看到了“不变”的主题。不变的是一种家乡的情结：因为家乡记得主自己的身世，倾听过自己的成长。风云变幻，悲欢离合，依旧有一种牵引是永远无法释怀的。导演也是通过一些意象来充分地展示情感的不可替代性。比如柠檬的意象。在影片的一开始，就有一个柠檬的空镜头，构图为在一个临海的房间的桌上，摆放着一盘青黄的柠檬，之后出现母亲打电话寻找沙托瓦的声音，然后母亲形象入镜。在影片的中段，也出现过柠檬意象，那是夜晚，小多多拿着从放映间偷来的胶片编故事，先是柠檬特写，占据三分之二的画面，然后镜头从多多脸上慢慢摇动，滑过桌面，又停留在那一盘柠檬上。在影片快结束的时候，沙瓦托和母亲进行了一次深入的交谈，而此时，桌上的柠檬你一定不难发现。首先，柠檬是意大利的一种家乡风味，是故乡这一意象的物质载体。其次，柠檬意象的出现总是在家中，它同时也是家庭亲情的载体。不难发现，导演运用了柠檬的意象是想告诉我们，在我们心灵的某个角落，永远有一种亲情不会流失，它永远在那里等我们，无论我们身处何方去向何处，就像那盘柠檬。
另外还有一个不变的人物相当重要，就是广场上的那个疯子。这个疯子是在情节设置之外的形象，他不在叙事层面而是进入了一种表意层面。他总共出现了六次。第一次是在小镇居民看完电影后离开的时候，疯子跑出来，高喊：“广场是我的，天黑了我要关门！！”第二次是在展现广场风貌的时候，他从一块刷着红色油漆的木板后跳出来高喊：“广场是我的！”第三次是艾佛多将电影投射到广场边上的建筑物时，他又跑出来站在高处大喊：“广场是我的，你们少惹我生气！”第四次是小镇居民站在被烧毁的影院前悼念的时候，疯子穿梭人群中，兴奋地叫跳。第五次是电影院重新建成后播放的一部悲情影片，疯子在拥挤的人群中穿梭，大声说着“我不喜欢！”最后一次是影片结尾时影院轰然倒塌，疯子又跑出来大喊：“广场是我的！”沙瓦托看着那个时光对他不起任何作用的疯子，脸上露出了微笑。让我们分析一下导演设置疯子的用意。福柯曾经在他的《疯癫与文明》中说过：“疯癫确实具有吸引力，但它并不蛊惑人。它统治着世上一切轻松愉快乃至轻浮的事情。正是疯癫、愚蠢使人变得好动而欢乐。”①这个疯子始终是快乐的，始终是坚信他对广场的所有权的，始终是游离时间之外的，那么我们是不是可以看成一种信念的坚守是需要类似疯癫的狂热呢？作为导演的沙托瓦对于电影的情感，热爱是不够的，要近乎狂热，才足以有足够的动力风雨兼程的走下去。所以，沙托瓦笑了。
这部怀旧的电影在情节上的回忆链条是连贯的，简洁干净的情绪一目了然，导演没有卖弄令人晕眩的技巧手段，反而在唯美的意境中，将一种乡愁表达得清雅脱俗，如同细水长流，润物细无声。
三、有关音乐与画面
曾成功为《美国往事》、《铁面无私》、《巴格西》、《海上钢琴师》配乐的埃尼奥•莫里康尼担任该片的作曲。据说他和托纳多雷合作《天堂电影院》时，从导演写作剧本开始，他就参与了创作，剧本完成一页，他就读一页，等到电影开拍时，音乐也完成了，所有的工作人员是听着音乐拍完电影的。我以为该片的音乐是相当精彩的，它不仅具有音乐的独立品格，而且与影片画面相得益彰，它总能和电影达到一种精神上的契合，既不抢戏，又能传达出影片的神韵。
《天堂电影院》的第一主题乐章是关于回忆的。莫里康尼采用弦乐来表达，而其中间以钢琴片音，不张扬，不渲染，旋律是静谧而安详的。第一主题音乐不仅前后呼应，更是贯穿了多多与艾佛多的忘年交，多多与伊莲娜的爱情故事和天堂电影院的兴衰三个部分。即便是有冲突相对激烈的情节，如火烧影院，新影院重建等，也没有过分渲染，而是使用该主题音乐，情绪上的间离形成一种张力，更彰显出一种经过岁月沉淀的内敛和沉着。第二主题是关于童年。乐曲选用不甚规则的西西里民谣体，轻快悠扬的小提琴旋律好似地中海迷人的热风般清新扑面，本片的主题音乐在现在已经几乎成了介绍欧洲电影的一个标准背景音乐。
我觉得应该将两组声画结合起来看。一组是沙瓦托回到家乡，观看他青年时拍摄的有关伊莲娜的镜头，以及后来回到罗马的放映室观看艾佛多留给他的胶片的片断。当伊莲娜黑白图像呈现在画面中时，第一主题音乐的前奏响起，时断时续，进而我们看到的画面构图是前景是沙瓦托观看荧幕的背影，而后景是镜子中沙瓦托凝望着荧幕，这一构图有着深长的意味。三十年后华发已生的沙瓦托依旧深情的看着影片中依然年轻的伊莲娜，恍若隔世，而他的这种凝望又同时在被沙瓦托本身凝望，或者说反思。在接下来与母亲的谈话中我们知道沙瓦托因为初恋的失落而在三十年的感情生活中充满不安全感，那么现在沙瓦托注视着初恋情人，又同时注视着自己的情感经历，是不是别有一番况味呢？沙瓦托眼中闪烁着泪光，当十几秒的影片结束后，灯亮了，音乐戛然而止，思绪被刻意截断，音乐乐的时断时续诠释着沙瓦托的精神状态，它意味着酝酿新的情绪，即意味着更汹涌的情感思潮即将奔涌而出。接着便是沙瓦托与母亲的谈话和见证电影院的倒塌。当沙瓦托回到罗马那间属于他的放映厅，灯光暗下，荧幕上出现了那些被艾佛多精心连接后的吻戏场面，此时第一主题音乐响起，由萨斯管独奏主旋律，弦乐配合，音乐力度的加强暗喻情感的升华，此时的沙瓦托含泪微笑，影片的情绪能在此时得到相当饱满的表达，这和前面那一组镜头的铺垫是有相当关系的。此时的沙瓦托蒸腾的一系列情感，爱情，亲情，友情，对电影的执着混合着沧海桑田的体验在音乐中充分的彰显，为影片做了一个很好的收尾，情感的浓度遭遇语言的贫乏，一切无法言说，又尽在体验。“说不出来的是金子”。
没有卖弄技巧的故弄玄虚，没有神经质的镜头语言，在自然流畅的叙述里，我们感受到一种温情默默的乡愁。其实我们每个人总有一些情感是收藏在心底最柔软的地方的吧，不轻易碰触，却也永不忘却。这大概是《天堂电影院》能够那么轻易地就撩动心底那根弦的原因吧。
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